Diskoduett

BOW TO THE LYCANCYCLER CULT

2010-06-20T17:16:00.009+02:00

2010 scheint ein gutes Jahr für allerlei extreme Musik zu sein - insbesondere die Death/Black-Szene blüht mit überpfundigen Releases von Bands wie Vasaeleth, Encoffination oder Dispirit auf wie schon lange nicht mehr. Satan's Satyrs haben mit dieser Richtung zwar eher wenig am Hut, reihen sich aber locker in die Riege unbefleckter Demobands ein, die Großes zu versprechen scheinen.

Die zwei jungen Ziegenanbeter Claythanas und The Ghoul aus Virginia haben mit ihrem mehr oder weniger aktuellem Demo ein überraschend frisches Intermezzo abgeliefert, irgendwo zwischen klassischer Black Flag'scher Punk-Viehtreiberei, den textlichen Gefilden von Witchfinder General oder Pentagram und der Attitüde neuerer Darkthrone-Releases werden hier drei Songs rausgefeuert, die einem die Bäckchen vor Freude rot strahlen lassen.

Mit "Lycancycler Cult" ist den Jungs sogar ein richtiger Hit gelungen, was die okkulten Boys von vielen ähnlich gelagerten, aber schlechter 'durchgeführten' Bands wohlwollend unterscheidet. Nicht zu vergessen die herrlich muffigen Orgelsounds im letzten Track - worship or be a whimp!

Myspace | Kassette abgreifen

Slowcore-Special (7): Smog

2010-02-04T15:07:00.004+01:00

"The Doctor Came At Dawn" (1996, Drag City)

Neulich drehte sich "Sometimes I Wish We Were An Eagle" zu später Stund' auf meinem Plattenteller und es schoss mir wieder in die Birne: Viel zu lange hatte ich Bill Callahan, den scheuen, genialischen Songwriter aus den Staaten, übergangen. Als ich seine Musik kennelernte, war er mit ihr bereits im Feuilleton angelangt und firmierte seit zwei Alben unter seinem bürgerlich Namen. Oben zitiertes Album war seine aktuelle Platte und schunkelte sich so schelmisch und prägnant, so feingliedrig und butterweich in die Ohren, dass ich sie inzwischen zu den musikalischen Sternstunden des letzten Jahres zähle. Mr. Callahan klang jedoch nicht immer derart beschwingt und lakonisch: Das 13 Jahre ältere "The Doctor Came At Dawn" wirkt im Gegensatz geradezu trostlos, schummrig und innerlich zerrissen. Ein Album, das musikalisch genau zwischen den Stühlen saß und eine Zäsur in seiner bis dahin schütteren Lo-Fi-Klang darstellte. Das Unterproduzierte wich, es wurde ein wenig musikalischer, raufaserige Streicher und ein schiefes Piano unterfütterten in vereinzelten Liedern das kahle Soundgewand, welches schmerzhaft spärlich instrumentiert war und nur aus einer Akustikgitarre und seiner unverwechselbaren Stimme bestand. Es ist überflüssig, zu erwähnen, wie herzerweichend elegant sie selbst noch klingt, wenn er seine Zeilen mit tief-vollsamtigen Bariton vor sich hin murmelt. Wer seine Musik kennt, weiß auch, was für ein gewitztes, sarkastisches Kerlchen Bill Callahan eigentlich ist. In seinen dunkelhumorigen Texten versah er damals schon das Depressive stets mit einem zynischen Auge. "..The water demon's eyes are pink and green, scales of silver mirror mesmerize, the most beautiful thing you've ever seen, spits bile into your eye". Finstere Zeilen, die auch unter dem Umstand, dass er mit jeder weiteren Platte einen Strahl mehr Sonnenlicht hineinschauen ließ und immer etwas unbeschwerter wurde, nie schwer im Magen liegen.

Slowcore-Special (6): Early Day Miners

2010-02-03T15:32:00.003+01:00

"Placer Found" (2000, Western Vinyl)

In ihrer recht überschaubaren Diskografie spielt der Erstling von Early Day Miners womöglich eine unwichtige Rolle. Aufmerksamkeit zog man erst auf sich, als ihr Sound im Laufe der Veröffentlichungen etwas expandierte - sphärischer, dynamischer, aber auch kompakter wurde. Bis heute ist es allerdings 'Placer Found', das mir immer noch am Häufigsten kleine Rührungsmomente beschert und sich in diesen Kontext ohnehin wunderbar einfügt. Mit breiter Borste werden hier ausgiebig Begriffe wie Repetition und Minimalismus aufgetragen, überlange Instrumentalstücke dürfen herrlich saumselig in der Luft hängen, ohne dass die Songdienlichkeitskelle kantig hochschnappt - "Placer Found" ist sozusagen mein "First Pick" für einen melancholisch wegdriftenden Abend. Denn hierauf geschieht im Grunde nichts Besonderes, es ist ein sachtes, sich unauffällig voranbewegendes, stringentes Album, das sich keinerlei Ausbrüche erlaubt. Aufschwung war gestern, es folgt die Einkehr und Stagnation, und dass stets etwas 'passieren' muss, ist sowieso überbewertet - na also! Early Day Miners sind in erster Linie eben Landschaftsmaler: In ihrem Soundbild gemächlich oszillierend zwischen ätherischem Klang und nüchterner Weltsicht, lassen sie dabei Bilder entstehen, welche sich auf den Hyperrealismus, den Springsteens "Nebraska" schon abbildete, beziehen. Panoramen zerklüfteter Gegenden, von kargem Hochland, riesigen, unberührten Landstrichen und entlegenen Felsschluchten. Von heruntergekommenen Gemeinden, abgekappt von der wirtschaftlichen Nabelschnur, geprägt durch Rost und Staub. In ihrer Musik, die über die Freiheiten, die die Wiederholung bietet, sehr wohl informiert ist, zeichnen Early Day Miners 'nur' Landschaften nach - dieses Metier beherrschen sie jedoch perfekt.

Songs About Fucking #3

2010-01-21T13:48:00.007+01:00

#3: Jonathan Halper - Leaving My Old Life Behind/I Am A Hermit

Let's get soopaobscure. 'Puce Moment', ein Kurzfilm aus dem Jahre 1949, knapp über 6 Minuten lang. Psychedelisch und doch irgendwie ganz normal, Bilder die ihre subtile Wirkung erst ein paar Stunden später entfalten, wenn die Alltagsgedanken nochmal zufällig über das Gesehene stolpern. Die seltsam erfüllten Augen der einzigen Darstellerin Yvonne Marquis, die Farbgewalt die so gar nicht zur eigenen Vorstellung des Erscheinungsjahres passen will (aber sehr wohl zum Stil des Regisseurs, Kenneth Anger) und natürlich...die Musik. Fällt sofort auf und hört auch nicht mehr auf aufzufallen. Lo-fi as fuck würde der Neudeutsche sagen - aber wer singt sich da so luftig und abgekocht die Seele aus dem Leib? Und ist das wirklich 1949 enstanden? Nee, natürlich nicht - als Anger den Film 1966 nachbearbeitet hat, nahm er zwei Stücke des Songwriters Jonathan Halper und schloss damit die komplette Vertonung des Filmes ab. Von Halper sind weder Bilder, Lebensdaten oder sonstige Infos bekannt, was die ganze Sache natürlich doppelt so interessant macht.

Die beiden Songs die zu einem Stück fusioniert wurden nennen sich "Leaving My Old Life Behind" und "I Am A Hermit" und wären sie auf irgendeinem Album erschienen (das Stück existiert bis heute nur als direkter Audiorip der Filmaufnahmen), würde man sowas sicher als "einflussreiches Songwriter-Masterpiece" oder ähnlich verschroben-nichtssagend bezeichnen.

Halper singt mit Seele, die Gitarre wirkt wie von seinen Gefühlen gespielt, nichtsdestotrotz muss man "Leaving My Old Life Behind/I Am A Hermit" als Experimentalstück bezeichnen - rückwärtslaufendes Band, Jug-Solo oder das abrupte Abbrechen von "Leaving..." und die sphärische Einleitung von "I Am A Hermit" sprechen unumgänglich dafür. Das alles wird aber derart entschieden umgesetzt, dass man auch heute noch staunen kann. Ein obskures Fundstück, dass nicht durch eben jene Obskurität, sondern durch seine Qualität interessant wird. Achja - eine Info über Halper gibt es doch noch: Er soll sich zeitnah nach den Aufnahmen in ein Mönchskloster zur Ruhe gesetzt haben.

Yes, I am a hermit - my mind is not the same

Slowcore-Special (5): Calla

2010-01-17T18:01:00.005+01:00

"Scavengers" (2000, Young God Records)

Vielleicht ist es aufgrund der Anwesenheit von Michael Gira zu verstehen, dass Callas zweites Album bis heute ihr schroffstes Werk darstellt. Denn ähnlich wie bei Giras Experimental-Folk-Projekt The Angels Of Light sind ihre Arrangements von einer vergleichbaren Methodik geprägt, die das Desolate und Sphärische in ihren Songs mit einer kantigen, kauzigen Note versieht. Ihre Musik ist mal getragen und flächig, dort brüchig und durchscheinend, immer aufgesucht von einem immensen Melodiegespür des Sängers Aurelio Valle. In den höheren Tonlagen leidet er derart schön, wie einst Vogelscheuche und Schmerzensmann Robert Smith, manchmal klingt seine tiefe, weiche Stimme so auch ruhig und verhuscht, dass eine Melodielinie beim ersten Hören gar nicht erst auffallen mag. Calla haben zudem eine gewisse Dringlichkeit in ihrer Musik, etwas Düsteres, Antreibendes, es geht ihnen um etwas, sie meinen es ernst, das spürt man sofort - und sie nehmen sich Zeit: Es ist diese vage Entwicklung ihrer Stücke, die den Hörer zunächst warten lässt. Warten, auf das etwas wird. Obwohl einerseits recht simpel gestrickt, verharren sie oft in einer geisterhaften Stimmung, die ein wenig nach der Verschrobenheit des Labels klingt, auf dem das Album damals erschienen ist. Da fällt es auch nicht weiter aus dem Rahmen, dass ihre Kompositionen mit fortschreitender Spielzeit oft immer entrücktere, rauschige Bilder ergeben, die mit dezenten elektronischen Drones, Feedbacks, Rauschen, Surren und Knirschen meist in kurzen Zwischensequenzen münden. Nichtsdestotrotz, die New Yorker Band versteht es darüber hinweg einfach packende Songs zu schreiben. Songs, die zwar etwas zeitaufwändiger zu knacken sind, doch die Nacht ist ja lang.

"Scavengers" bis heute womöglich das intensivste, beste Album der Band. Es sollte es auch ihre einzige Veröffentlichung auf Giras Label Young God Records bleiben, aber wenn interessiert das eigentlich, vielmehr ist es der Inhalt: zehn Stücke, die einen kraftvollen Sog hinein in die schönste Trübsal entfalten. Existenzielle Schroffheit und eine düstere Wärme fügen sich hier zu einen überragenden Stück Indie-Musik zusammen.

Slowcore-Special (4): C-Clamp

2010-01-09T23:37:00.013+01:00

"Longer Waves" (1999, OhioGold)

Mittlerweile würde ich diese Platte als ein kleines Juwel bezeichnen. Eine Version des Slowcore, die von einer sehnsüchteligen Midwestern-Atmosphäre durchzogen ist, irgendwo zwischen Hum, American Football und Codeine. Es muss in jenem endlosen Gebiet eine gewisse Magie im Staub liegen, dass dort ansässige Gitarren-Bands immer wieder die schönsten und einschmeichelndsten Melodien aus ihren Instrumenten entlocken. Gespielt von Leuten, deren Blick auf die Musik und ihre Stimmung nicht, wie häufig, durch Trübsal verzogen ist, sondern aufrichtig und klar wirkt. Ein Hang zur Feinheit und Transparenz war auch bereits auf "Meander + Return", dem Debüt von C-Clamp, auszumachen. Klang das auf der '95-Scheibe noch etwas forsch und gröblich gerahmt von Mathrock-artigen Strukturen, ließ sich auf "Longer Waves" ein Konturenabgleich feststellen. Man möchte Begriffe wie 'ausgereift' und 'erwachsen' bemühen - machen wir heute aber nicht. Paradoxerweise klingen sie zwar spürbar gebremst, haben jedoch dabei die knusprige Leichtfüßigkeit früherer Tage beibehalten. Denn mit welch unverschämter Lässigkeit und nicht zu verschweigender Musikalität das Chicagoer Trio seine melancholisch-melodiösen Songs herbei schweben lässt, ist jedes Mal eine Wohltat fürs Gemüt. Dabei knackt jeder der sieben Stücke die 5 Minuten-Marke und ist teilweise von atmosphärischen, ausschweifenden, improvisatorisch-anmutenden Passagen geprägt. Schwerfällig wird es nie: Betrachtet man alleine das taufrische Schlagzeugspiel, wird sichtbar, wie lebendig ihre Lieder durchdrungen sind, wie viele kleine Ideen in ihnen stecken. Lieder über das Leben und die kleinen Dinge darin, in Abwesenheit von Kitsch, Klischee oder schmärigem Selbstmitleid. Im Kern jedes Songs ruht die unangestrengte Leichtigkeit und Catchiness des Pop.

Emptyset - s/t

2009-12-26T01:08:00.010+01:00

- 2009 auf Caravan Recordings erschienen.

Gegen Ende des garnichtmalsoschlechten Jahres findet erneut ein garnichtmalsokleines Techno-Highlight seinen Weg in die regnerisch kühlen Straßen des hiesigen Kleinkaffs. Bevorzugte Farbe: graues Schwarz. Herkunft: Bristol, England. Dubstep? Nope.

Das britische Duo lässt auf seinem just veröffentlichten Debüt einen Sound entstehen, der auf den ersten Eindruck zwar anachronistisch anmutet, sich bei genauerer Betrachtung doch offensiv auf die Gegenwart bezieht. Zutiefst groovend und heruntergeköchelt auf weißes Rauschen und superhart gecuttete Beats hat Empysets Musik selbstverständlich auch den Zeitgeist der pulsierenden Electro-Hochburgen Englands eingeatmet: man tippelt durch bassige Schwerkraft und beklemmenden Minimalismus, ist jedoch genauso am legendären Chain Reaction-Labeklang oder den spröden Minimaltech-Entwürfen der finnischen Knöpfchendreher von Pan Sonic interessiert. Einflüsse, die wie Tupfer der Erinnerungen auf der Bildfläche erscheinen und an ihren Ausläufern auch stilecht ins Noisige ausfransen dürfen. Clubtauglich ist die Platte demnach nur bedingt. Es sitzt, wackelt, hat aber kaum Luft.

Mit Minimalausrüstung dringen die beiden Bristolboys tief in einen sterilen, klaustrophobisch engen Korridor vor. Matt beleuchtet und scheißkalt ist's dort. Die Wände sind rissig, gezeichnet durch erschütterndes Grollen von einem wummernden, ca. 300km unter der Erdoberfläche gelegenen, Bass. Mithilfe weniger, aber präzise eingesetzter Mittel wird nach und nach eine weitere Tür eines Techno-Universums entsperrt, das offensichtlich noch längst nicht abgemessen ist.

Slowcore-Special (3): The For Carnation

2009-12-21T13:27:00.004+01:00

"The For Carnation" (2000, Touch and Go)

Da ist sie wieder, die Stimme von Brian McMahan. Anfang der Neunziger sang er bei der Indie-Legende Slint, doch die waren 1991 bereits Geschichte. Daraufhin erschuf der Kreativkopf einige Jahre später sein dunkel-bluesiges Soloprojekt, bei dessen Aufnahmen auch gerne Musikerkollegen von Tortoise, Shipping News, oder seine alten Bandkollegen, mitwirkten. Doch alle spielten und spielen sie hierbei stets eine untergeordnete Rolle. McMahan durchlebt auf sechs facettenreich schwarzen Songs die Einsamkeit des Songwriters, als stünde er ganz alleine in einem abgedunkelten Ring - der einzige Scheinwerfer nur auf ihn gerichtet. Bedächtig setzt man im Hintergrund Ton an Ton. Nie klingen die Stücke überladen, sondern entwickeln sich bedächtig Minute für Minute. - Spätestens nach einer halben Stunde ist man der seltsam coolen Klangvision von 'The For Carnation' verfallen -. Und dazu diese Stimme! Sie kommt näher, schleicht dicht heran, klingt tief und einlullend, dass einem ganz schummrig wird. Dann verschwindet sie aus dem fahlen Scheinwerferlicht, die Stimmung verdunkelt sich wieder und es ziehen lange, beklemmende Instrumentalpassagen durch ihre Lieder: Ein schlurfender Bass, sparsames Klavierklimpern, dezent wabernde Electronic und selten auch ein Cellobogen, der herzzereißende Töne in den Klangteppich schneidet. Ist man infolgedessen nicht allzu benommen oder klinkt sich dümmlich unterfordert aus, wird man mit dem womöglich besten (ach komm...) aller Albumcloser namens 'Moonbeams' beschenkt. Und natürlich nehmen sich The For Carnation auch dafür nochmal ihre Zeit. 10 Minuten dauert die wundersame Verlangsamung des Schlussmoments, indem ein stoischer Beat, den Hörer minutenlang durch einsam aufblitzende Gitarrensaiten und angespacet düstere Ambient-Flächen treiben lässt. Brian McMahan flüstert: "Why we sleep fully dressed and rise early from bed" - mit hohlem Gesichtsausdruck lauscht man apathisch seinen umheimlichen Worten, die wie dahinkriechende Schatten über die Szenerie schweben. Ergebnis = Ergriffenheit und die Repeat-Taste.

Slowcore-Special (2): Bluetile Lounge

2009-12-19T18:53:00.009+01:00

"Lowercase" (1995, Summershine)

In Moll tänzelt sich der australische Vierer wie in Zeitlupe durch 5 überlange, gewaltig reduktive, melancholische Post-Rock-Nummern - Der Codeine'sche Soundentwurf wurde hier aufs Genüsslichste ausgewalzt: Es beginnt meist bedächtig und kriechend, sparsam wird mit Snare und Becken umgegangen, auch die Liedtexte sind eher Miniaturen. Ihre Kompositionen sind luftig und lassen sich zunächst erstmal Zeit. Viel Zeit. Dass Bluetile Lounge dabei so wirken, als wüsste außer ihnen niemand, wohin ihre Klänge mäandern, erfüllt ihre Musik mit einer seltsamen Eleganz; es braucht daher einige Rundgänge bis man das Terrain wirklich erschließt. Irgendwann findet man sich zurecht, hängt sich wieder an diese wunderbaren, feinfühligen Melodien und lässt sich treiben...
Die Band agiert allerdings nicht durchgehend derart zaudernd und zögernd. Es ist ein Anschwellen, eine latente Unruhe, die den Songs anhaftet. Ihre Instrumente können gewaltig und aufbrandend sein, wenn die Snare plötzlich anfängt zu scharren, die Becken vorwärts peitschen, die Gitarre noisig reingrätscht, oder ihr flirrende Post-Rock-Harmonien entfliehen, die 1995 noch nicht, von Mogwai-Epigonen, völlig abgenudelt klangen.

Es war übrigens Low-Sänger Alan Sparhawk, der auf das Debütalbum 'Lowercase' aufmerksam wurde und es in den Staaten an ein gewisses Sub Pop-Label weiterempfahl. Im Grunde ein Traumszenario für eine junge Gruppe, die nach Jahren des des Sich-Selbst-Findens und Herumkrebsens in der Perther Musikszene an einen renommierten Plattenvertag kommt. Es ist mir auch bis heute ein kleines Rätsel, dass Bluetile Lounge, selbst unter Genre-Bewanderten, immer noch als ein Geheimtipp gelten. Gut, die Band verschwand nach einem weiteren großartigen Album in den späten Neunzigern völlig von der Bildfläche, und nur von Zweien tauchte in diesem Jahrzent ein Lebenszeichen auf - doch das hat ja noch keinem Mythos geschadet, lulz.

Slowcore-Special (1): Zelienople

2009-12-17T23:44:00.027+01:00

"Sleeper Coach" (2004, Loose Thread)

Gar geschmeidige Musik, die der forschenden Underground-Szene von Chicago entspingt! Da war doch was? Tortoise? Gastr Del Sol? Rock-Konventionen my ass! Das Trio von Zelienople produziert vergleichsweise unterkomplexe, dafür schleppende, nachtumwobene Musik mit geradezu vereinnehmend atmosphärischer Dichte. Man bewegt sich zwischen den Fixpunkten Jazz, Ambient, Drone umher und verliert sich nicht selten in einer Art bittersüßen Westernromantik. Fast ein wenig bluesig kommen sie in den instrumentalen Tiefebenen daher; wobei der Gesang auch glatt einem Slowdive-Album entnommen sein könnte. Zuviel Struktur lassen sie allerdings nicht zu: Das beruhigende Timbre von Matt Christensen tritt nur selten in Erscheinung, auch das Schlagwerk raschelt eher verhalten unter den anschwellenden Drones. Wüsste ich es nicht besser, hätte ich Zelienople samt ihrem experimentellen Ansatz und der gleichwohl organisch-warmen Soundästhetik sogar dem kunterbunten Avantgarde-Sammelbecken von Portland (Valet, Darwinsbitch, Jackie-O Motherfucker usw.) zugeordnet. 'Sleeper Coach' ist deswegen auch einer der beiden Platten, bei denen ich etwas unsicher war, ob sie sich nicht zu weit von der Grundidee dieses kleinen Schmachtfetzen-Specials wegbewegen würde.
Bevor das Chicagoer Trio allerdings gänzlich in bürgerliche Kunstverfeinerungen entschwebt, landen sie am Schluss dieser beruhigenden 54 Minuten, aufgrund der 'besonderen Grundstimmung' (soso!) wieder hier in diesen Zeilen. Letztendlich erweckt das Album doch deutliche Assoziationen an die Slowcore-Stilistik (Spain und Bark Psychosis lassen grüßen) und ist ohnehin viel zu großartig, um es in diesem Rahmen unerwähnt zu lassen.

Songs About Fucking #2

2009-12-17T11:01:00.007+01:00

#2: Zomby - Kaliko

Zomby ist momentan einer DER Namen im Dubstep-Universum, irgendwo zwischen Wonky, Chiptune, UK Garage, Grime etc. pp. - vielleicht auch einer der Überbewertetsten? Kann ich nicht beurteilen. Ab und an jedenfalls schwimmen mir Singles von verschiedenen größeren und kleineren Namen des Genres zu, die mich schier in den Boden blasen und mir ein frühlingsfrisches Universum eröffnen. Dubstep scheint die Welt zu erobern; oder isses schon wieder vorbei? Das müssen wohl die Musikjournalisten in erbitterten Strassenkämpfen unter sich ausmachen.

"Kaliko" ist einer dieser Tracks, die mir sofort die Blinker meterweit aufgerissen haben und diese ganz spezielle Euphorie aufkochen haben lassen. Das Teil ist 2008 im Rahmen der 'Zomby EP' auf Hyperdub erschienen. Nun gut. Den Anfang macht ein bescheuertes Chiptune-artiges Keyboard, das dann auch schon in das Trademark des Tracks übergeht: Salven von kurzen, trippigen Tonleitern, verfremdet und wonky-esk, alles hüllt sich in rot-schwarzes Licht.

Das Motiv wird immer wieder verlangsamt, leicht modifiziert, kehrt wieder in die schnelle Urpsrungsform zurück. Darunter brodelt die 'wobble-wobble' Bassdrum, die unwirklich groovende Snare knallt mir dann auch den letzten Kitt aus der Brille. Schön auf 2 und 4. Nee, doch 3? Oder 1? Wasauchimmer, die Welle wird immer fühlbarer, man zuckt sich in ekstatische Gedankenspiralen, intensiv, intensiv. Polyrhythmik ist das Stichwort - alles, im Sinne von ALLES, in diesem Track ist rhythmisch derart auf den Punkt gebracht und ausgeklügelt, dass man selbst bei trockener deutscher Objektivität keine andere Wahl als Freudentränen hat. Bassline, Drums, Melodie - alles verschiebt sich kontinuierlich und fast unbemerkt; das hat eine ungeahnte Räumlichkeit mit Hang zum alles vernichtenden Groove zur Folge. Oder, um es in perfektem Fachzyperisch zu sagen: "The main texture of ‘Kaliko’, established at bar 22, is actually a patchwork of slightly different heterophonically polyrhythmic textures built from different rhythmic/metric manifestations of the upward cascade figure, shifting slowly with rhythmic diminution and augmentation, accompanied by an array of complex polyrhythmic drumloops big enough for a whole Flying Lotus record." (Quelle) Genau das mein ich doch, Mensch! Nach knapp 4 Minuten ist der Spaß auch schon wieder vorbei. Leider. Die asigsten 3:58 Minuten auf Repeat - für immer. Mindestens.

WOBBLE WOBBLE BONE CRUSHER

Ausknipsen, auflösen, abwarten

2009-12-16T17:06:00.006+01:00

Von denen, die den Indie-Rock bremsten.

Eine glasklare Stimme taumelt genüsslich in ausgedehnten Räumen, das säumige Schlagzeug stützt auf's Nötigste, dezent werden die Saiten angeschlagen, klingt wie Country unter Rohypnol-Einfluss; dann klaffen wieder Lücken voll Weitläufigkeit und Minimalismus.
Es gibt Musik, die Begriffe wie Hektik oder Reizüberflutung anscheinend erst im Fremdwörterbüchlein nachschlagen muss, die anstattdessen den Rückzug sucht und in leidenschaftlich behäbigem Tempo freudlos glücklich scheint - ein schmaler Grat zwischen Resignation und Trotz, auf dem in den letzten 20 Jahren einige fast vergessene Musiker gewandert sind. So scheint es.

Seit der ersten Bekanntschaft mit Mark Kozeleks Band Red House Painters, entwickelte sich eine still wachsende Begeisterung, die nicht nur seiner Band galt, sondern auch für diese eine minimalistisch gezähmte Antithese der Rockmusik, die stets unter dem unglücklich gewählten Begriff Slowcore firmierte. Eine musikalische Bewegung im Indie-Underground der auslaufenden Achtziger, welche einerseits den folkhaften Schmerzballaden von American Music Club entsprungen sein könnte, deren essenzielle Einflüsse aber noch einige Jahrzente zurückliegen: Kozeleks filigranes Gitarrenspiel atmete die melancholisch-kahlen Arrangements des späten Nick Drake genauso ein, wie die avantgardistischen Country-Kompositionen des American Primitivism der '60er.
Im Gegensatz zu den eher Folk-affinen Red House Painters, zog die amerikanische Band Codeine ihr Soundverständnis vermehrt aus dem verträumten Reduktionspop von Galaxie 500 und dem unterkühlten Post-Punk der frühen 80er. Die zunehmende Abnahme der Klangfülle führte somit zur Konzentration auf den Einzellaut: meist kristallisierte sich der Ton jeder einzelnen Saite oder das Geräusch der zart gestrichenen Becken akustisch heraus, bevor ihre Stücke in Form von angedeuteten Ausbrüchen wieder ins Laute kippten - nur für kurze Momente natürlich. Ihr letztes Album 'The White Birch', das mit seiner niederschmetternden Atmosphäre verdächtig an Slints 'Spiderland' erinnerte, war sozusagen ein entschiedenes Veto gegen jegliche expressionistische Soundentwürfe dieser Zeit.

Wie bereits erwähnt, kokettierte vieles dieser kurzlebigen Musikbewegung mit Folk- und Country-Anleihen, oder die Grenzen verschwammen zunehmend unter Einfluss von Math- oder diversen Post-Rock-Spielarten: Mogwais 'Come On Die Young' scheint über die 'Weiße Birke' zumindest sehr gut informiert zu sein; so gesehen prägte die Slowcore-Stilistik den aufkeimenden Post-Rock in den frühen Neunzigern maßgebend mit.
Inspiration zogen daraus ebenso Bands wie Bedhead und Low, von denen letztere sogar noch statischer klangen, als ihre Vorväter der vergangen Jahre. Auch das endlos schöne 'Transaction De Novo'-Album von Bedhead steht exemplarisch für den schleichenden, skelettierten Indie-Rock, der, gepunktet durch wundersamste Melodien, zum Schwelgen und Versinken einlädt.

Der Blick auf die 'großen' Bands soll in dieser kleinen Rubrik allerdings etwas abgewendet werden. Weswegen der Fokus auch schärfer justiert werden musste, denn, wie in so vielen Fällen, stößt man immer auf den ein oder anderen vergessenen Schwärmer, wenn unterhalb der Oberfläche gegraben wird. Bei diesem Prozedere wurde mir schnell bewusst, wie witzlos es doch wäre, eine Demarkationslinie des Genres zu ziehen, oder sich strikt an eine Definition zu klammern (wenn man so will, hat sich bei diesem kleinen Special der ein oder andere Grenzgänger über die leicht verwischten Konturen hinweggeschlichen). Vielmehr ist es diese besondere Grundstimmung, die alle hier vorkommende Gruppen, bei aller (leicht) variierender musikalischer Ausführungen, gemeinsam haben; es ist die Einfachheit und Klarheit, die diesen Sound stets als Ruhepol zu unsäglicher 'Musik', wie Dead Metal oder Punk, erscheinen ließ.

Ich streife mir eben noch meinen heißen Perlensucher-Suit über, brühe mir das dritte Teechen für heute auf, und ab geht es!
Hier wird mal so gar nichts rocken, fuck yeah!

Lassen wir also eine kleine, zehnteilige Rückschau beginnen.

93.

2009-12-15T19:47:00.006+01:00

Benoît Pioulard - Précis (2006)

Thomas Meluch macht unter seinem Pseudonym Benoît Pioulard meist urig warme, weiche und superb umgesetzte Musik. Genretechnisch wohl irgendwo zwischen Dream Pop und Singer/Songwriter, jedoch ohne jemals nach Retro-Shoegaze oder New Yorker artsyfartsyness zu klingen. Okay, etwas künstlerisch-abgehoben wird es schonmal, wenn sich seine eindringliche, fast erzählende Stimme zwischen allerlei 'verblurrten' Klängen verliert, schwebt, säuselt, stirbt.

Die Stimmung von 'Précis' ist schwer zu beschreiben, irgendwo zwischen frühlingsfrischer Seichtigkeit und Novemberdepression. Manchmal wirkt das ganze wie eine surreal tickende Zeituhr, die langsam abläuft und dir Erinnerungen, eine nach der anderen, aus dem Unterbewusstsein zieht und ins Gesicht hält. Praktisch ein psychischer Effekt, der die Platte in deinem Hirn als etwas Besonderes abspeichert. Deswegen auch der Platz in der Dekadenliste. Ich kenne die Platte sicher nicht auswendig, vielleicht gar nicht mal so gut, als das ich hier hochtrabend über sie reden könnte, aber jedes Mal wenn sie doch wieder den Weg in die Playlist findet bin ich gebannt ob der wirklich einzigartigen Aura. "Oh, dusk intended silences..." singt er in "Palimend" während Gitarre und verhangene Perkussion die Marschrichtung ganz zart, fast silhouettenhaft vorgeben. Alles umarmt dich, wie ein stiller Morgennebel eben, aus dem langsam die Sonne zu erblicken ist. Nichts auf 'Précis' klingt wirklich herrausstechend oder 'in-your-face' - that's how the magic is made. Alles verwebt sich zu einem Album wie ein Spiegel - variabel, eindringlich, aus einem Guss. Nennt mich König der Vergleiche.

Das Album erschien 2006 auf Kranky. Passt natürlich wie Arsch auf Gesicht - Field Recordings und allerlei daraus geformte Klänge die mit seiner Stimme und der verhuschten Instrumentierung eine Symbiose eingehen, aus der nur eine Perle auferstehen kann. Grade auf diesem Gebiet ist es ein reichlich schmaler Grat nicht zu abgehoben, zu abstrakt und zu Wayfarer-Brillen zu wirken. 'Précis' ist weit entfernt von allem davon. Achja, mit "Needle & Thread" hat sich sogar ein kleiner Klassiker auf der Scheibe eingeschlichen - wenn dir das nicht die Espandrillos auszieht...hör auf Musik zu hören.

94.

2009-12-07T02:08:00.017+01:00

Viktor Vaughn - Vaudeville Villain (2003)

Seit über 10 Jahren werkelt Daniel Dumile unter zahlreichen Pseudonymen (Doom, MF DOOM, King Geedorah, Viktor Vaughn usw.) schon im HipHop-Underground und erlangte durch verschiedene Kollaborationen mit Madlib oder Danger Mouse auch genre-übergreifende Bekanntheit.
Seine Vision von HipHop ist durchzogen von abstrakter Reimstruktur und stark von der Kunstform des Samplings geprägt. Dabei ist der Cartoon-Nerd nicht nur Rapper, sondern produziert und sampelt ein Großteil des Materials auch selbst.
Er steht damit einer oberflächlichen Rap-Landschaft (think Lederjäckchen und Macho-Attitüde) entgegen, an der ich zwischenzeitlich jegliche Lust verloren hatte. Doch Doom agierte als Retter, wo Not am Mann gebraucht wurde, und (er)weckte mein - größtenteils erloschenes - Interesse an HipHop wieder. 'Vaudeville Villain', das Album seiner Kunstfigur Viktor Vaughn, ist hierbei eine der stärksten Platten in seinem Gesamtwerk.

Aus allerlei obskuren Samplequellen erstellt Dumile darauf eine unheimlich-wirkende Beatkulisse, worüber er verworrene, fiktionale Großstadtgeschichten des Protagonisten Viktor legt - und das ziemlich dope, Alta!
Selten wurde Triviales, wie geplatzte Drogendeals, das zwecklose Kokettieren mit dem weiblichen Geschlecht oder eine nichtige Auseinandersetzung in einem Restaurant, derart spielerisch und angenehm unplakativ in einen genialischen, immer etwas beatversetzt scheinenden, Flow gepackt. Vics Reimkaskaden fließen dabei in eine dunkle, von Nebelschwaden durchzogene, urbane Welt, die mich mit einer tief in den frühen 90ern verwurzelten Soundästhetik zunächst einmal frohlocken ließ.
"Ist's denn richtig, dass dadurch inspiriert, der ein oder andere HipHop-Klassiker der vorletzten Dekade ausgegraben werden wollte?" - Selbstverständlich!
[reminder]Company Flow...[/reminder]

Das flüchtige Auseinandersetzen (think Lederjäckchen) mit jener Szene legte letzten Endes nur offen: ich hätte schon viel früher auf diese erfrischend-kreative Gegenkultur stoßen können.

95.

2009-12-03T21:54:00.008+01:00

Hatred Surge - Deconstruct (2009)

Hype in der Blogosphere hin oder her; Hatred Surge haben mit 'Deconstruct' definitiv eines der gewalttätigsten Alben geschaffen, die je über den Knüppeläther jagen durften. Egal ob man denkt, dass man das alles schon mal gehört hat - sei es von Despise You (die wohl auch wegen des Männlein/Weiblein-Wechselgesangs den größten Einfluss auf Hatred Surge darstellen dürften), Crossed Out oder Plutocracy - 'Deconstruct' ist eine Hommage an diesen Stil, gleichzeitig aber auch die Perfektion dessen für diese Dekade. Blastbeats, Sludgeinferno, Doppelgekreische, Intensität die auch dem toughsten Bridge Nine-Kid die Spalding-Pants von den Lenden reisst - you got it all here.

Alex Hughes, vorher Bassist bei einer Band über die man genau das Gleiche sagen könnte, (...allerdings in Sachen Grindcore, die mächtigen und jetzt schon legendären Insect Warfare) hat seinen Versuch aus Hatred Surge eine richtige Band zu formen mit Bravour vollendet. Man bläst mal eben alles weg, was sich so an ('Retro'-)Powerviolence versucht und wirkt dabei nicht einmal unoriginell - man kann der Band sicher kein übertrieben stures Festhalten an bereits dagewesenem vorwerfen. Natürlich gibts nicht viel Spielraum, aber der wird wunderschön ausgenutzt. Die Songs rasen mit 200km/h an dir vorbei, werden desöfteren schmerzvoll langsam, nur um dich hyperventilierend süchtig zu machen und dich zu zwingen, sie so oft zu hören bis man zum aufdringlichen Snob mutiert und die Scheibe jedem empfiehlt, der einem so über den Weg läuft. Die Produktion der Scheibe ist auch mehr als positiv hervorzuheben - klingt drückend wie ein Kaffeeköttel, zum Glück ohne die raue Assigkeit zu verlieren die für diese Art von Musik einfach lebensnotwendig ist.

Viel mehr gibt es zu diesem viehischen Biest auch nicht zu sagen, ohne gequält klingen zu würden. Diese knapp 19 Minuten genießt und erlebt man eben mit einem breiten Grinsen auf der Fresse oder man geht sich lieber 'nen Pfeffertee machen und hört dem Wasserkocher beim brodeln zu. Die herbste akustische Messerstecherei des Jahres (mindestens!) erlebt man zumindest bei einer der Optionen.

DECONSTRUCTION OF THE MIND, DECONSTRUCTION OF THE BODY.

Over and out.

Wooden Veil - s/t

2009-12-01T16:20:00.019+01:00

- 2009 auf Dekorder erschienen

Ein Berliner Kollektiv rasselt mit unheilvoller Folkmusik und viel mystischem Gepolter ein nächtlich loderndes Feuer herauf und liefert damit eine der bemerkenswertesten Platten des Jahres ab.
Unter Zunahme von Krautrock und Noise enstand dabei eine ekstatische, dunkelbunte Musik, die tatsächlich direkt einer schamanischen Zeremonie entsprungen sein könnte; so urwüchsig und bildhaft die Ausdruckskraft ihres Debütabums.

Die nebulöse Formation tut sich aus vielerlei Orten stammender Musiker zusammen: darunter gesellt sich auch die Stimme einer Japanerin namens Hanayo, die bereits mit Merzbow und Yoko Ono zusammenarbeitete und neuerdings Wooden Veil ihre kindlich-säuselnde Stimme leiht.
Zu hören ist sie dabei auf mehreren verschleierten Ambient-Stücken, deren scheinbar gemächlicher Puls nur Vorbote auf die aufwühlenden, teils sehr düster-geladenen Soundspielereien des restlichen Materials ist.
Währenddessen wird - ganz die musikalischen Freidenker - jede gewöhnliche Song-Dramaturgie kurzum den Flammen übergeben und einem tranceartigem, sich selbst findendem Klangmodell überlassen - wer allerdings rituelles Geleier erwartet, wird überrascht sein: hier funkt es und die Instrumente dürfen auch gerne mal aufschreien.
Man wird Zeuge von harsch rückkoppelnden E-Gitarren, kantigen Noise-Rhythmen und bedrohlichen Drones, die wie Geister-Silhouetten in den Nachtimmel aufsteigen. Genial auch das sich in "Gloom Across The Ice" chaotisch-auftürmende Stimmengemenge, was mit seiner nervenzerfetzenden Anspannung mich an Kubricks 'Odyssee im Weltraum' erinnerte, als die Astronauten zum ersten Mal in das Spannungsfeld des schwarzen Monolithen geraten.

Zwischen diesem spirituellen Zusammentreiben verschiedenster Lärmquellen finden sich auf dem Album auch einzelne Songs, oder besser gesagt Improvisationen, die eine angenehm folkige Schlichtheit ausstrahlen. Direkt in Mitte der Scheibe platziert, ist das exemplarische, fast ausschließlich mit Banjo und Percussion-Instrumente eingespielte "Red Desert". Ein treibendes, geradezu wärmendes Stück verdunkelter Countryklänge, das so etwas wie Assoziationen an landschaftliche Weite zulässt. Ansonsten tanzt diese mystisch verwurzelte Musik (ohne jegliche Indie-Zuflucht) lieber lautstark um ihr Feuer herum.

Reinhören kann man hier: www.myspace.com/woodenveil

Songs About Fucking #1

2009-11-27T19:38:00.008+01:00

Alles neu macht der Winter, wie man so schön sagt. Kurz: Hin und wieder gibts hier Songs, die uns so gucken lassen wie auf dem kleinen Schnappschuss da oben und ein paar Worte dazu. Und schon jehtet los!

#1: ACME - Blind

ACME sind wohl nur noch Hardcore-Urgesteinen aus Deutschland bekannt, die schon damals harte Nerds mit Hang zum Untergrund waren. Die Band hat ihre Wurzeln in der berühmt-berüchtigten Hardcore-Szene von Bremen und nicht viel mehr als 9 Songs veröffentlicht. Trotzdem gelten sie neben Systral und Carol als eine der wichtigsten Vorväter des 90s Hardcore in all seinen Facetten, allen vorran natürlich die zerstörerisch-mathematische Variante mit der später Bands wie Botch, Converge oder Coalesce ihren Kultstatuts untermauerten.

Das gesamte Material (zumindest soweit ich weiß; wenn wer klüger ist bitte ich um Korrektur) von ACME wurde 1996 auf der Compilation '...To Reduce The Choir To One Soloist' - natürlich lange OOP und für leckere 60 Euro auf Ebay zu haben - veröffentlicht, die für Fans der eben genannten Stile ABSOLUTE Pflichtschule ist. Unfassbar heftige Arrangements, Gekreische und Gekotze der feinen englischen Art, pounding riffs of hellfire. Naja, fast. Jedenfalls gehört "Blind" definitiv zu den 5 aggressivsten, heaviesten, verzweifelsten [...] Songs die mir in meiner Pu...in meinem Leben zu Ohren gekommen sind. Wenn ihrs nicht mögt oder 'keinen Zugang findet', solltet ihr schleunigst euer Gang Gang Dance-Shirt ausziehen und euch kochend heisse Ravioli auf die Titten gießen (abwechselnd langsam und schnell), dann habt ihr ungefähr die Wirkung des Songs nachgestellt.

Anhören kann man "Blind" und drei weitere Songs hier:

http://www.myspace.com/acmegermany

96.

2009-11-27T00:13:00.006+01:00

Kid Dynamite - Shorter, Faster, Louder (2000)

Dan Yemin's the man: Ein engagierter, vielbeschäftigter Mensch (Psychologe, Label-Betreiber und Musiker), der mit seinen bisherigen Bands und seiner Vorstellung von melodisch-aggressivem, aber smarten Hardcore Punk stets einen angenehmen Gegenpol zum teilweise affigen Tough-Guy- und Straight-Edge-Gehabe bildete.
Nachdem er Mitte der Neunziger als Gitarrist der grandiosen Lifetime bereits an zwei Klassikern mitgewirkt hatte, führte er - nach deren Auflösung '97 - die musikalische Ausrichtung mit den neu gegründeten Kid Dynamite konsequent fort. Man verdichtete sie sogar noch, besann sich wieder mehr auf seine Früh-Achtziger Hardcore-Punk-Wurzeln und prügelte innerhalb von zwei Jahren ein einflussreiches, selbstbetiteltes Debüt und den ebenbürtigen Nachfolger namens 'Shorter, Faster, Louder' ein.
Wobei der Titel nicht wirklich programmatisch zu verstehen ist, denn im direkten Vergleich treffen diese Attribute vielmehr auf den räudigeren Erstling zu.

Kid Dynamite klangen auf ihrem letzten Album selbstverständlich immer noch angepinkelt und schnell, ließen jedoch nie die positive Energie und Melodiösität vermissen, die auch Lifetime schon ausgemacht hatte - unbändige Energie, gebündelt in knackigen Melodicore-Raketen. Alleine die erste Hälfte, mitsamt dem furiosen Eröffnungs-Triple ("Death and Taxes"!!!), gibt sich derartig blitzdreckig, konzentriert und tight, dass der Scheibe danach fast etwas die Luft auszugehen scheint.
Manchmal ist es auch nur ein Bruchteil einer Sekunde, ein krasser Shout, ein abrupter Break oder vier gellende Fanfaren (Entschuldigung!), die allesamt einen Song ausmachen können und Dir in den besten Momenten einen ungehörigen Push verpassen. Positively pissed eben!

Wahrscheinlich war es letztlich der eigene musikalische Anspruch und die intensiven Liveshows, die ihnen kurz danach das Genick brachen, als Anfang 2000 die geschundenen Stimmbänder von Sänger Jason Shevchuk versagten und die Band sich notgedrungen auflöste.

97.

2009-11-26T13:55:00.011+01:00

Dominik Eulberg - Bionik (2007)

Verheissungsvolle Klangwolke, zirpelzirpel, knisterknister - knapp sechzig Sekunden später drückt die erste matte Bassdrum auf den Brustkorb. Dominik Eulberg's Tanzmusik ist definitiv minimal, aber über große Strecken mit maximalem Anspruch. Während der bassige Puls immer mal wieder in der Hintergrundatmosphäre verhallt, fängt das Bein unter dem muffigen Schreibtisch ganz unverfroren das Zucken an. Und wenn die allmächtige Bassdrum zurück kommt und schon im nächsten Takt das Gezirpel und Geknister geheiratet hat und auch mit den räumlichen Synths eins geworden ist - dann bebt das Herz, die Arme fliegen, der Kopf wird zum Watergate Club.

Die energische Euphorie die hier aus den Leibern ausgesaugt wird, funktioniert auf beiderlei Weise - Dancefloorgroßartigkeit und Kopfhörerperle. Die Besonderheit die Eulbergs Version des Minimal Techno versprüht ist schwer zu beschreiben, ganz klar eine Gefühlssache. Unfassbar rhythmisch, tanzbar und einladend, aber irgendwie halt auch total kauzig. Songtitel á la "Löwenzahn-Luftwaffe" und "Autopfoten" unterstützen diese Unterstellung nur zu gut; das Ganze formt sich zu einem Album, das ich nicht mehr missen möchte.

Scheinbar nicht-musikalische Geräusche und treibende Beats zu verbinden ist sicher nichts besonderes mehr - 'Bionik' macht es aber wieder zu selbigem. Was hier für 'treibende Beats' (ungh) zu schieren Rhythmusabfahrten geformt, zerstört und wieder aufgebaut werden lässt nur noch ein angeblödetes Grinsen zurück. Die glasklare Produktion und natürlich die frühlingsfrischen Drum-/Percussionsounds tun ihr übriges. Ich will nie wieder aufhören mit dem Kopf zu nicken.

98.

2009-11-21T02:06:00.024+01:00

Iron & Wine - The Creek Drank The Cradle (2002)

Anfang 2002 bekam man bei Sub Pop die Demos eines jungen Filmprofessors aus Miami in die Hände. Eine Ansammlung von verhuschten Vierspuraufnahmen, hochgradig introspektive Lieder, irgendwo zwischen traditionellem Folk, Country und klassischem Singer-Songwriter-Handwerk, die nur durch eine zart gezupfte Akustikklampfe und Sam Beams warme Stimme getragen wurden. Musik, nicht unbedingt für einen strahlenden Frühlingstag, sondern schon eher etwas für den ersten Tee am Abend. Mir war bis dahin zumindest kaum eine Platte bekannt, die solch eine innere Ruhe ausstrahlte wie 'The Creek Drank The Cradle'.
Iron & Wine erzählt darauf Geschichten so hell wie tragisch, seine Sprache ist poetisch, bildhaft, manchmal auch bizarr - in ihrer Intimität - drauf gepfiffen, ob das abgegriffen klingt - wunderschön und fesselnd.
Es ist ein imposantes und doch beinahe lautloses Schauspiel, wenn seine Stimme dicht über einem pastoralen Indie-Folk-See schwebt - fast ein wenig wie Justin Vernon von Bon Iver, dessen Musik ähnlich kathartisches Potenzial besitzt.

Wo 'The Creek Drank The Cradle' noch mit spröder LoFi-Ästhetik seinen Charme versprühte, ist auf den Nachfolgern eine filigranere, reichhaltigere Instrumentierung - und generell rhythmischere Ausrichtung - zu hören, die mitunter heiterer wirkt, als sein stille(re)s Meisterdebüt.

99.

2009-11-20T02:26:00.011+01:00

Oren Ambarchi - In The Pendulum's Embrace (2007)

Oren Ambarchi ist den meisten Leuten eher wegen seiner (Live-) Kollaborationen mit Sunn O))) und dem Burial Chamber Trio bekannt. Der Australier bringt aber seit 10 Jahren auch eigene Releases raus, die eine ganz eigene und zuweilen auch eigenartige Note versprühen.
'In The Pendulum's Embrace' ist dafür ein prächtiges Beispiel - 3 überlange Tracks, gefüllt mit extrem minimalistischem Bassklicken, bis zum Exzess ausschwingenden, sanften Beckenschlägen und auch mal langsam aufkeimenden Gitarrenloops.

Die einzelnen Töne denen sich Ambarchi über Albumlänge verschreibt, sind aber konstant derart füllend und üppig, dass man den Kopfhörer kaum von der weichgematschten Birne bekommt. Soundscapes aus simplen, glasklaren (!) Bassfrequenzen die hier und da mal mit ein paar Glitches belegt sind - "Gut", sagt der schmärige Nerd von Welt, "da kann ich aber ja auch einfach meine Ryoji Ikeda-Platten in langsam abspielen, ne?". Neineinein, ganz und gar nicht. Ambarchi's Chose wirkt überhaupt nicht Laptop-artig, nicht gekünstelt, nicht kalt - alles äthert derart natürlich und gleichzeitig fremdartig durch die Boxen, dass man die Ruhe die sich langsam auf den Geist legt kaum ablehnen kann.
Oren Ambarchi versteht es blendend mit molligen Sinuswellen akzentartig Spannung aufzubauen, die nur darauf wartet wieder im bassigen Nebel zu verschwinden.

Die 40-minütige Reise ist praktisch das 'Geisterfaust' der Elektronik - Minimalismus als anregendes, fast schwindelig machendes, aber immer bedächtiges Ebbe-und-Flut-Spiel der Töne.

100.

2009-11-16T23:08:00.013+01:00

Ataraxie - Slow Transcending Agony (2005)

Als eine der wenigen, wirklich nennenswerten (Death)Doom-Metalbands Frankreichs, setzten Ataraxie gleich mit ihrem Debüt einen Instant Classic auf. Ein extremer Entwurf, der sowohl ursprünglichen Death Metal, als auch Funeral Doom verinnerlichte, und folglich nicht davor scheute auch mal in monolithischem Stillstand zu verharren. Fließen tut's hier trotzdem: nicht selten fühlt man sich an die legendären Australier von Disembowelment erinnert, die das Wechselspiel aus zähem Downtempo und - wenn auch rar gesätem - Uptempo schon beherrschten; denn sobald sich aus erwähntem Stillstand plötzlich ein derber Strudel aus Blastbeats und unheiligen Todesmetall-Riffs bildet, ist man mitten drin im Wunderland 'unangepasste Krachmusik'.
Man erfindet das Rädle natürlich nicht neu, fährt es, wie ähnlich gelagerte Bands, aber auch nicht mit steriler Langweile und flächendeckendem Keyboardeinsatz gegen die Wand. Im Gegenteil, 'Slow Transcening Agony' verzichtet gänzlich auf Keys (thank god!) und erklingt zuweilen wunderbar spartanisch - ein Graus für alle traditionellen Doom-Puristen.
Ich hingegen bin immer noch überrascht, wie mühelos es die Platte mit den übermächtig scheinenden Genre-Klassikern aufnehmen kann!

Hurra! Hundert aus zehn.

2009-11-16T22:54:00.007+01:00

Zur Feier der auslaufenden Dekade, noch mal ein paar, der aus unserer Sicht, schönsten Platten aus 10 Jahren Wein, Weib und Geholze - ganz bürokratisch in Reihenfolge gebracht. Eine Auflistung, die zwar ohne Rammstein, Radiohead oder Rush auskommen muss, welche letzten Endes jedoch so fresh ist, dass man sich danach glatt ein paar weiße Wayfarer Shades und tropisches Softeis ziehen will.

In diesem Sinne. Let's get to it!

Ihr Troutman und Pebbles.

Rashied Ali

2009-08-31T14:25:00.004+02:00

1935 - 2009

Lawrence English - A Colour For Autumn

2009-06-04T01:24:00.008+02:00

12k, mal wieder. Herbst, (nicht) schon wieder: Auf dem zweiten Teil seiner Jahreszeiten-Reihe zeichnet der australische Soundkünstler Lawrence English seine Eindrücke des Herbstes nach, die er auf verschiedenen Kontinenten gesammelt hat. Jene Jahreszeit, deren bissiger Kälte man nun längst überdrüssig war, viel zu lange hatte sie sich an die unschuldige Kehle gelegt. Draußen Schneematsch, drinnen Sonntagspuls und drumherum blähte sich das Leben auf; sah trübe aus. Oder doch nicht?

'A Colour For Autumn' ist ein ungeahnt hübsches Panorama aus vielerlei Stimmungen des Jahreszeitenwandels geworden. Klingt diese im 'Frankreich'-Opener, umrauschelt von einem Field-Recording des berüchtigten Mistralwindes, noch erwartungsgemäß trostlos, ja fast bedrohlich, ist es in 'Watching It Unfold' dann eine samtig-schimmernde Fennesz-Gitarre, die die Tristesse im beheimateten Brisbane noch nicht siegen lässt.
In seiner Vision von Natur, von Abklang und Neuentstehung, gibt der Australier den Beobachter, den Ästheten, der es versteht seiner Herbstmusik, jederzeit ein Stückchen Hoffnung auf neues Leben innewohnen zu lassen. Der Effekt ist positiv, in den besten Momenten auch richtig ergreifend. English agiert dabei weitaus weniger diffus und schroff, als auf anderen Arbeiten, lediglich die breitärschigen Drones schrammen hin und wieder den zartbraunen Harmoniemantel.

John Coltrane - OM

2009-05-20T00:04:00.008+02:00

John Coltrane, für Viele neben Personen wie Pharoah Sanders oder Ornette Coleman - frei nach Albert Aylers Zitat: "Trane was the father, Pharoah was the son, I was the holy ghost" - Vater des Free Jazz und verantwortlich für stilprägende Werke wie 'A Love Supreme', hat wie jeder Künstler der über lange Schaffensperioden Werke veröffentlicht auch Alben in seiner Disographie die zu unrecht übersehen, unterschätzt oder missgebilligt werden. Eines davon ist ganz sicher 'Om' aus dem Jahre 1965. Auf diesem geheimnisvoll betitelten Perlchen gibt es, wie man schon nach einem Blick auf das Erscheinungsdatum vermuten könnte, freien und (zumindest damals) frischen Jazz zu hören.

Die Beschreibung hier enden zu lassen wäre blanke Blasphemie, 'Om' kreiert, gipfelt und zerstört Eindrücke im Sekundentakt, nur um daraus neue, um ein vielfaches abstraktere entstehen zu lassen. Dieser, je nach Fassung am Stück oder in zwei Teilen zu hörende, 28 Minuten-Song beginnt mit Getuschel und Hintergrundgeräuschen, die langsam zu beunruhigend fremden Stimmen werden: "I, the oblation and I, the flame into which it is offered. I am the sigh of the world. And this worlds mother and grandson. I am he, who awards to each the fruit of his action. I make all things clean. I am Om."
Wenn man eine reiche Fantasie hat, kann man sich nach Lesen dieses Zitates schon vorstellen wie die Platte klingt - in höchstem Maße spirituell, ausserweltlich, schwerverdaulich. Den Hörer erwartet eine krachige Eruption mit kreischenden Saxophonen (Pharoah Sanders strikes again!), die sich über die gesamte Länge irgendwo im Hörbaren einpendelt, immer wieder mit sich mantrisch wiederholenden, umhergeisternden Stimmen (die Zitate stammen aus dem Bhagavad Gita, eines der zentralen Schriftstücke des Hinduismus) die in Kollaboration mit unortbaren Geräuschen, unmenschlichen Stimmen und sich in schwindelige Höhen und Tiefen verlierenden Pianoläufen ein Ganzes ergeben, das vor allem bei Betrachten des Releasedatums heftiges Erstaunen auslöst.

Der Albumtitel und die Ausstrahlung des Covers werden von diesem sich webendem, unergründbaren aber doch befriedigendem Chaos erstaunend gut wiedergegeben. Die ganze Chose klingt unerwartet drogig, es kursieren passenderweisen Mythen, dass die gesamte Session unter LSD-Einfluss eingespielt wurde. Genauso hört sich die Platte auch an, wie ein sich windender, qualvoll anstrengender Trip, der dir grässliche, aber unglaublich befreiende Wahrheiten in deinem tiefsten Innern offenbart. Man darf das nicht falsch verstehen - die Scheibe klingt keinesfalls wie eine x-beliebige Free Jazz-Scheibe aus der Aufbruchzeit die einem nach 3 Minuten auf den Piss geht - das Ganze ist trotz seiner fortbestehenden Unkonventionalität gut hörbar, auch für Ungeübte, das Chaos scheint sinnig zu sein und geschieht nicht zum Selbstzweck, es befriedigt den Hörer als Gegenwert für das rücksichtslose Einlassen auf den Trip. Der LSD-Mythos könnte also definitiv wahr sein, nicht selten fühlt man sich iiirgendwie an Psych Rock derselben Ära erinnert. Aber eben nur irgendwie, 'Om' ist Free Jazz in Reinkultur - eben 'with a twist'.

William Fitzsimmons - Until When We Are Ghosts

2009-05-16T05:10:00.008+02:00

Irgendwann gelangt man als Hörer an einen Punkt, an dem sich die Frage aufdrängt, ob man seine rar (!) gesäte Freizeit einer weiteren Platte eines dahergelaufenen Songwriter-Hammels opfern soll, wenn der Großteil einfach nach Retorte klingt, wenn pseudoauthentische Hippies sich wieder in ihrer klischeehaften Naturseligkeit suhlen, und wenn es doch bereits riesige Schwärmer wie 'Five Leaves Left', 'I See A Darkness' oder auch 'Ys' gibt!?

Nun... William Fitzsimmons, der als Kind blinder Eltern in Pennsylvania aufwuchs, stellt es auf 'Until We Are Ghosts', und mag es noch so banal klingen, ziemlich klar: Es bedarf eigentlich gar nicht viel, manchmal sogar nur einer sonnengefluteten Terrasse, einem richtigen Augenblick. Plötzlich packt es einen wieder, und man wundert sich, wie man es all die Jahre ohne diese wundersame Platte ausgehalten hatte. Zugegeben schien der (sparsame) Einsatz elektronischer Elemente in so manchen Songs zunächst nicht so recht in den Kontext zu passen, wob sich aber nach einigen Durchläufen zu einem molligen Teppich aus federleichten Klängen und Rhythmus zusammen:
"My conduct should be suspect/ and my intentions should be checked/ but I'm too
involved in making plans for my soul", getragen von einer versunkenen, doch klaren Stimme, umweht eine butterweiche Melodie das Ohr, legt sich sanft wie Blütenstaub auf Dir nieder, bis die Umwelt nur noch aus Berührungen, aus Bildern und Gerüchen besteht.
Dabei verzichtet Fitzsimmons gänzlich auf blumige, oder gar esoterisch-verbrämte Ausführungen - es ist die Unmittelbarkeit seiner Texte, die Dir in der frühsommerlichen Mai-Atmosphäre von einschneidenden Veränderungen seines Lebens berichtet - ein schimmernder Quell aus Emotionen, der sachte den Schmerz fließen lässt, auf dass er den Weg nach draußen findet und Platz für Hoffnung macht. Hoffen auf einen prächtigen Erdbeerkuchen, zum Beispiel.

Pulvis - 2 Demo Tracks

2009-04-20T17:37:00.002+02:00

Mein digitales Soundscape-Gedankenbuch im Anfangsstadium. Noch laienhaft, schon immer liebenswert.

Agna Moraine's Autobiography - s/t 7"

2009-03-15T14:26:00.011+01:00

90er, ehrliche & emotionale Gitarrenmucke, künstlerischer Ansatz - hört sich doch schon gut an, nech?
Agna Moraine's Autiobiography waren eine kurzlebige Emo/Screamo-Band aus den Staaten, die es nur auf eine (hier vorliegende) selbstbetitelte 7", eine Split mit Rentamerica und ein ebenfalls selbstbetiteltes Demotape brachten.

Ziemlich schade wenn man sich die 4 Songs die mit grossem Eifer, Hingabe und Herzblut dargeboten werden so anhört (böse Zungen möchten behaupten das alles wäre einen Schritt über die Klippe, denn an diesem Scheibchen ist wirklich alles zutiefst 'emo', seien es die Lyrics, das Image, der Ausdruck des Sängers oder das Coverdesign) - hektische Breaks, cleaner und schreiender Gesang, extrem unkonventionelle Songstrukturen, auch mal getragene Gitarrenflächen, alles bleibt dennoch recht nachvollziehbar und hat einen gewissen Obskuritätenbonus. Allerdings sollte man jetzt kein Jeromes Dream-artiges Gefrickel erwarten, Agna Moraine's Autobiography sind eher auf den Song an sich und dessen Aussage konzentriert.
Genau dieses Anliegen unterstützend gibts immer mal wieder zittrig-nervös (und zum Glück unkitschig) vorgetragene Gedichte (!) mitten im Song, erinnert etwas an Slints Meisterstück 'Spiderland'.

Es fällt schwer genau zu beschreiben, was Agna Moraine's Autobiography besonders bzw. überhaupt erwähnenswert macht, fest steht aber das jeder der etwas mit 'echtem' emotionalen Hardcore anfangen kann schnell realisieren wird, dass diese Band einfach ehrlich und zu wertvoll zum vergessen ist.
Also, hört euch dieses digitalisierte Stück schwarzes Gold an und erinnert euch an die Zeiten when emo was real - selbst miterlebt oder nicht.

Yagya - Rigning

2009-03-07T04:34:00.007+01:00

'Rigning' ist Musik, der es gar nicht erst um große Gesten geht und deren stets sanft-pulsierender Groove nicht nur Herzschlag bildet, sondern auch Ausgangspunkt zu einer kontemplativen Klangwelt ist:
Aus dubbigen Rhythmen und mit viel Sorgfalt beim Einsatz von Hall und Echo, formt Yagya weite, tiefe Räume, in denen Reduktion und Wiederholung zu einer meditativen Eleganz amalgieren; ständiger Begleiter, der Regen. Ihn lässt der Isländer mithilfe von Field-Recordings um jedes der 10 Stücke prasseln, tränkt seine ausgedehnten Klangwellen förmlich darin und beatmet sie entweder mit Klarluft oder feinem Deepness-Nebel.

Wolken ziehen über den Himmel, ballen sich, ändern das Licht über der gleißenden Szenerie; bald weicht die azurne Bläue, erste Wasserperlen prasseln hinab und senden einen besänftigend-knisternden Ton durch das Hier und Jetzt.
'Rigning' ist eine Ode an den Regen, an die reinigende Kraft der Natur. Verführerisch, unstillbar, berauschend, mitreißend. Aðalsteinn Guðmundsson aka Yagya, der in seinem ruhendem Dubtechno, sowohl Basic Channel, als auch Brian Eno verarbeitet, könnte mit seinem neuen Album zum Blueprint für den Ambient-Techno-Sound 2009 avancieren.

Violence For The Masses - Vol. I

2009-02-26T20:25:00.014+01:00

Den Anfang in diesem kleinen Lärm-Stelldichein machen IN DISGUST aus San Jose, Kalifornien.
Die abgefahrenen Latino-Boys tischen hier ein derart asoziales Buffet aus Blastbeats, Brunftschreien und Fuck-Off-Attitüde auf, dass es dem geneigten Krachfeti dieselbe Anzahl an Ohrgasmen bescheren dürfte wie vor 2 Jahren, als Insect Warfare mit 'World Extermination' eines der brutalsten 'stripped-down'-Grindalben aller Zeiten abgeliefert haben.

Die Liveshows von In Disgust sind jetzt schon berühmt-berüchtigt, einige davon kann man auch auf www.killthatcat.com bestaunen. Lohnt sich!
Also nach dem Reinhören Kiefer wieder einfahren und schön zu Unholy Thrash Records surfen und das Dingen bestellen.

Next in row sind JIHAD. Das zu sehende Cover gehört zu deren Compilation 'Old Testament', die die ganze Discographie der Band, inkl. einem Livegig in Cleveland, abdeckt.
Sonst kann man über die Band eigentlich kaum was finden, macht aber nix, das Tonmaterial spricht ganz für sich selbst - emotional-wütender, riffiger Hardcore mit einem viehisch angepissten Sänger, tief verwurzelt in den frühen bis mittigen 90ern. Ur-Emo trifft auf Metalcore im Wortsinne, quasi.

Die Scheibe klingt wie ein wütender Abschiedsbrief voller Hass und Enttäuschung, wie eine letzte Faust ins Gesicht eines Gutmenschen - definitiv mehr als ancheckenswert.

Als letztes gibts nochmal richtig Schmackes: Alex Hughes, Livebasser der tragischerweise aufgelösten Insect Warfare, lässt seit 2004 mit seinem Projekt HATRED SURGE selbst mehr als ordentlich die Grind/Powerviolence-Sau raus.

Auf der 'Collection 2005-2007'-Compi gibts also sämtlich Splits, Sämplerbeiträge etc. zu hören, die der gute Alex in jener Zeit zusammengeschustert hat.
Das ganze klingt wie eine brutalere Version der Powerviolence-Legenden Despise You (auch inkl. deren absolut vernichtenden Sludgeparts, man höre nur "Domestic") und macht auch über 35 Tracks hinweg absolut Bock, wenn man denn mit den ab und zu vorkommenden Frauenvocals klarkommt.

Jüngst haben HATRED SURGE mit ihrer 'Servant b/w Bestial'-EP auch andere Wege beschritten, das ganze klingt wie Slo-Mo-Grind meets ganz junge Swans, braucht man auch.
Tolles Projekt von dem wohl noch einiges zu erwarten ist, support that shit!

The Appleseed Cast - Sagarmatha

2009-02-24T14:40:00.016+01:00

Das Jahr begann ausgesprochen gut. Man bemerkte es traditionell wieder nach Wochen, wenn die Gedanken in unregelmäßigen Abständen um eine Sache kreisten, bei der es ausnahmsweise mal nicht um die Liebste ging.
Die Messlatte für sphärische Rockmusik würde mit Leichtigkeit wieder in luftige Höhen versetzt werden: eine Ankündigung über das neue Album von The Appleseed Cast ließ mir folglich das Herz in der Hose aufgehen, warf aber auch gleichzeitig die Frage auf, was die Ästheten des Emo-Rock musikalisch eigentlich noch zu sagen haben. Wieder mehr Koketterie mit Post-Rock? Noch mehr hemmungsloses Pathos? ...noch mehr sahnige Popmomente? Die Angst vor einer Enttäuschung schien somit zunächst klein, die euphorische Neugierde groß, und da ihre Bandgeschichte auch eine von steter Entwicklung ist, wartete man hibbelig auf das erste Lebenszeichen seit gut drei Jahren.

Ihre Stärke liegt immer noch im Herzaubern von schlichter Schönheit. Wurde diese auf den letzten beiden Alben in heruntergeköchelten Indie-Rock gegossen, fand sie sich Jahre zuvor noch in elegant-überschäumenden Post-Rock-Elegien und wundersamen Meisterstücken des Emo-Rock wieder. 2009 verzichtet man nun größtenteils auf den Pop-Appeal und die Kompaktheit der beiden Vorgänger und schnuppert wieder an Höhenluft.
Ganz richtig, 'Sagarmatha' scheint zu schweben, verweist mehr denn je auf Space/Post-Rock-Referenzen und konturiert letztlich noch klarer, was das die beiden 'Low Level Owl'-Scheiben in Ansätzen schon vorweg nahmen.
Verhallter Gesang, weiträumige, perlende Gitarrenflächen - ihr Klangbild erscheint ausladend und sphärisch wie nie zuvor, als steigen sie in verwehte Höhen wie die des Albumtitels auf; und statt Dir dort die Hand zu reichen, entschwinden sie in den Wolken, lassen den Hörer damit oft im Unklaren.
Da wieder eine aufjaulende Gitarre, eine ferne Stimme: als hätte man es nicht vorher erahnen können, dass das Vereinen von Pathos und Melancholie in solchen Regionen einen heikles Unterfangen sein kann. Das überlässt man lieber Yume Bitsu oder Mogwai, die solche Gefühlsk(r)ämpfe weniger kitschig und plakativ umsetzen können.
Sicher, Prachtfetzen wie das sanft umspülende 'The Road West' oder der Opener 'As The Little Things Go' haben das Potenzial alleine mit ihrer Strahlkraft das gesamte Album zu tragen, doch man wird das Gefühl nicht los, die Herren wollten mit dem Sechsten buchstäblich zu hoch hinaus.
So ist 'Samargatha' ist eine ambitionierte, teils wunderschöne, letztendlich doch zu ziellos wirkende Platte, welche mit manchmal schier endlos langen, farblosen Songaufbauten eine Band zeigt, die so allmählich ihren Zenit überschritten zu haben scheint.

Dennoch, das Jahr begann ausgesprochen gut.

Tethuo - Ransho

2009-02-16T22:24:00.009+01:00

Sludge ist ein so gleichförmiges wie doch stets interessant bleibendes Genre in der weiten Landschaft der Gitarrenmusik - vorrausgesetzt man steht auf ultradreckige Gitarren, nihilistische Tendenzen, Drogenverherrlichung und den großzügigen Mix mit anderen Stilen.
Das die ganze Chose auch heute noch interessant bleibt liegt oftmals an gewissen Bands die das Potenzial welches dieser erdige, urgewaltig klingende Sound zweifellos in sich birgt weiter ausweiten.
In den letzten Jahren waren das neben den richtig bekannten Bands dieses Stils sicher Formationen wie Rosetta mit ihrem Mix aus Isis-Huldigung und Verbeugung vor diversen Ambient-Großmeistern (siehe 'The Galilean Satellites', 2005) oder Charger, die mit komplett asozial-dreckiger Attitüde und einer großen Portion good ol' Crust an die Sache rangingen (listen to 'Spill Your Guts', you douche!), die dem Genre(fan) weiter Leben einhauchten.

Tethuo machen das ähnlich: sie erfinden das Rad nicht neu, ersetzen aber ein, zwei Speichen und bringen es besser zum laufen. Auf deren einziger Veröffentlichung 'Ransho' wird das maschinelle Sludgekonstrukt mit allerlei Noise (allerdings kein Laptopgezirpel, Feedback is the law) und unkonventioneller Rhythmik verschnörkelt, was den einzigen, 16-minütigen Song der EP richtig schön pervers rüberkommen lässt.
Die Platte klingt dreckig, düster und vorallem höllisch angepisst (jaja, Allerweltsbeschreibung, aber es ist halt so) - Lärm und Heavyness schlagen sich gegenseitig die Zähne aus, die industrielle Apokalypse nimmt ihren verheerenden Lauf, der Sludger von Welt strahlt etwas mehr als eine Viertelstunde erregt ins Leere (zumindest bis einem bewusst wird, dass die Scheibe wohl unauftreibbar zu sein scheint) und alles ist gut.

Sogar - Apikal.Blend

2009-02-13T13:15:00.011+01:00

12k. Ein Plattenlabel, dessen Künstler stets neugierig und euphorisch mit der digitalen Klangformung experimentiert haben. Ein Plattenlabel, dessen Fundus ein nie endender Quell aus inspirierender und forschender Musik zu sein scheint, und dessen federnder Wohlklang seiner fast ausnahmslos guten Veröffentlichungen, mir so ein wenig die Objektivität genommen hat. Denn abgesehen von einer gewissen Vorhersehbarkeit, die sich so allmählich in den Labelsound eingeschlichen hat, bleibt mir nichts als hemmungslose Begeisterung für das 'Baby' von Taylor Deupree übrig.

Sogar, das Projekt eines deutschen Wahlfranzosen, ist an eben jenen Klängen interessiert, denen es erstmal nicht um einen Fokus, um ein Anfang oder ein Ende geht, sondern um die pure Existenz von Sound.
Es ist unwichtig, ob das, was da zu hören ist, als Musik verstanden werden kann oder nicht. Wichtiger scheint das Abweichende, das sanfte Grundrauschen, die Rückkopplungen und Verzerrungen, die alle als Grundlage seiner Arbeit zu verstehen sind.

Abstrakt-zirpende Glitches könnten Beatfragmente sein, die dem fragilen Klanggebilde Struktur und Halt geben; haben sich die Sinne dann an ein solches gehängt, werden sie im nächsten Augenblick von hektischem Geknister und sehnsuchtsvollem Rauschen wieder verwaschen.
Rhythmik und Melodie sind somit nur bruchstückhaft auszumachen - winden und verwandeln sich ständig. Ein steter Fluss, der die Wahrnehmung schärft, Dir jederzeit neue Wege und Entdeckungsmöglichkeiten offen lässt, es erlaubt umherzuschweifen und kleine Geheimnisse zu entdecken, die sich hinter dem wundervoll-entrückten Geräuschnebel verbergen.
'Apikal.Blend' sucht folglich nicht die Einkehr oder den Rückzug, sondern vielmehr die Kommunikation mit dem Hörer.
Ein bemerkenswertes Album, das auch abseits gängiger Musikrepertoires prächtig funktioniert - vielleicht das größte seit '94 Diskont'.

Bark Psychosis - Hex

2009-02-05T02:13:00.015+01:00

Leise und unauffällig unter der monströsen Britpop-Welle Mitte der '90er begraben, zwischenzeitlich mit der Entjungferung des 'Post-Rock' in Verbindung gebracht, genießen Bark Psychosis heutzutage unter Anonymen Melancholikern großen Stellenwert.
Das Terrain von Einflüssen lässt sich beim Debut (die überragende 'Independency'-Compilation folgte noch im selben Jahr) der vier Engländer auch gänzlich anders abstecken, als es bei den Albarns und Gallaghers der Fall ist. Vielmehr versuchte man das transzendentale Schwirren der Talk-Talk-Spätwerke wiederzubeleben und legte folglich das Augenmerk in erster Linie auf Erzeugen von Atmosphäre, anstatt den 'perfekten Popsong' zu schreiben.

Weg von der Eindeutigkeit, weg von der Norm. Denn gerade dieser Augenblick, in dem ihre Musik durch den Minimalismus eine Nähe entwickelt, von der man einiges zu berichten weiß, hat etwas Gezaubertes.

'Hex' ist ein in sich gekehrtes Meisterstück mit meditativer Wirkung. Ein nächtlicher Spaziergang am Rande einer pulsierenden Metropole, als könne man das entfernte Raunen der Großstadt mit seinen bedächtigen Klängen assoziieren.
Eingelullt von flüsterndem Gesang, lässt man sich treiben, immer weiter weg von den schillernden Farben der Großstadt, bis man selbst kein Raunen mehr vernimmt, die Stille allmählich wieder ihren Platz einnimmt und Dir plötzlich bewusst wird, dass dieser zutiefst erholsame, 51-minütige Spaziergang wohl zu Ende ist. Doch freut es einen schon wieder auf den Moment der absoluten Ruhe, denn mit 'Hex' bringen Bark Psychosis die Stille zum Blühen.

Silvester Anfang - Kosmies Slachtafval

2009-02-04T16:06:00.007+01:00

Silvester Anfang (Mayhem-Fans?!) sind 5 Belgier die seltsame Musik spielen. Konstantes Brodeln aus unzähligen Instrumenten, Geraschel, immer intensiver werdende Atmosphäre (Ich-bin-in-einem-alten-verlassenen-Haus-mitten-im-Wald-Atmosphäre)...ja, könnte jetzt halt alles in Sachen experimenteller Musik sein. Die Musik von Silvester Anfang ist nicht grade SO einfach zu beschreiben; man nehme ebenjenes Instrumentarium, die Attitüde des Freak-Folk und beame die ganze Chose ins muffige Krautrock-Deutschland Ende des Jahres 1969.

Der 15 Minuten-Opener "Mijn Vader Was Een Wolf En Mijn Moeder Was Een Hoer" zeigt dem geneigten Hörer direkt wo es hingehen soll - oder auch nicht. Tambourinschläge, sich immer wieder wiederholende hohe Gitarrentöne und irgendwelche undefinierbaren Geräusche kreieren nach den ersten 3 Minuten der aufmerksam zuhörenden Unsicherheit schon einen dermassen dickschichtigen Klangnebel, dass man aufhört genau zuzuhören und sich willenlos in diese absolut fremde Welt hineinbegibt. Die Spirale wird immer tiefer, die Atmosphäre immer seltsamer, eine Frau fängt an heulend-kreischig im Hintergrund zu singen, die Perkussion wirkt immer und immer repetitiver....hier sollte schon klar sein, dass 'Kosmies Slachtafval' nix für jede Stimmung ist, wenn man aber in der richtigen ist, kann man sich das Album auch ohne grösseren Anstrengungen anhören.

Der nachfolgende Halbstünder "Konfituur Voor De Satanjeugd"greift natürlich die gleiche Formel auf, klingt aber dennoch gänzlich anders. Irgendwie besänftigt fühlt man sich, während irgendeine hallende Stimme aus dem Nichts irgendwas beschwört. Ambientiges Beckengeraschel und geloopte Gitarren schmelzen logisch ineinander, die innere Ruhe kommt immer näher. Lo-Fi-Gitarrensolo, Hallo Krautrock! Sanfte Toms, mehr Becken, mehr komische Geräusche. Ein bisschen Dröhn - und auuus.

Vielleicht klingt das jetzt höllisch unspektakulär, aber um es in einem Satz zu sagen: 'Kosmies Slachtafval' ist sicher eine der wenigen Platten, die trotz gewollt-andersartig anmutendem Konzept einfach nur 'richtig' und eben gar nicht gewollt klingen. Wer also was mit dunkler, beschwörender Teufelsatmo (das Cover trifft diese eigentlich schon perfekt), durchgeknalltem Instrumentarium und Alben, die aus zwei langen Songs bestehen was anfangen kann, soll hier direkt zu Aurora Borealis surfen und sich das Dingen bestellen.

Dusk - Majestic Thou In Ruin

2009-02-04T00:57:00.013+01:00

Wenn Du in einem heißgeliebten Genre, von dem man annimmt, das Überraschungsspotenzial sei so allmählich ausgereizt, auf etwas stößt, das Dir völlig unangemeldet und nachhaltig den Gegenbeweis liefert, liegt der Fall meist klar auf der Hand: "Boah, Perle!"

Mit einem mächtigen, organischen Klangbild nahmen mich Dusk spielend leicht gefangen. Ihr elementares Mittel dabei ist das gute alte Wechselspiel, welches den großen Reiz der Doomköppe offenlegt: düster-schleppende Passagen lenken mit stoischer Erhabenheit den Fokus auf ihre effizienteste Waffe - den bewährten Groove, der mit walzenden Rhythmen die Gefühle demaskiert und der verschleierten Sicht ein Bild gibt. Rasch wird sichtbar, dass Charakter und Stimmung ihrer Musik ein schmaler Grat zwischen Zerbrechlichkeit und Massivität bestimmt, dessen Keimling immer die Trauer ist. Womit man sich ein Stück weiter von seiner Vergangenheit als reine Death-Metal-Band abkapselte, und nicht nur musikalisch die Brücke zum klassischen Doom schlug.

'Majestic Thou In Ruin' erschien zu einer Zeit, in der besonders ein britisches Dreiergespann die Popularität der extremen Doom-Spielarten weiter vorantrieb, und blieb trotz alledem im Verborgenem. Die Kraft, mit der sie ihre melancholisch intonierte Schwerheit demonstrieren, sucht bis heute allerdings ihresgleichen.

Thomas Köner - Nuuk

2009-02-02T21:38:00.011+01:00

Blendendes Weiss. Intensiv, irgendwie auch grau, grollend, arktisch-kolossal, gross, doch unterschwellig - ein paar der vielen Worte die auf wundersame Art und Weise zu Thomas Köners 'Nuuk' passen.
Die Klanglandschaften auf 'Nuuk' (Hauptstadt von Grönland btw) stehen in extremer Harmonie mit dem Cover - die absolute Vertonung? - was zu einem nicht geringen Teil dazu beiträgt, dass das Album in seiner ganzen, simpel anmutenden Natur einfach wahnsinnig wirkt.

Wenn die dunklen Drones auf die im Wind verwehenden, komplett melodiebefreiten Klangwellen treffen hats schon fast was meditatives was dieses Album mit sich bringt. Nein, keine pseudo-intellektuelle Hipster-Scheisse, auch kein Stars Of The Lid in 12 Oktaven tiefer - ein unfassbar intensives Musik(?)erlebnis, for real.

Das beinhaltet natürlich Kopfkino deluxe - dunkle Nebelschwaden lösen sich in der sanft-noisigen Stratosphäre auf, dein Gehirn schwimmt wackelig im tiefblauen Eiswasser, die ultratiefen Frequenzen schubsen dich mit dem kleinen Finger dann endgültig knietief in den luftigen Eisschnee von 'Nuuk'.

Für mich steht das Album definitiv auf einer Ebene mit Ambient-Grosswerken wie Biospheres 'Substrata' (ebenfalls in dieser Intensitätsregion anzusiedeln) oder Tim Heckers grandiosem Debüt.

Buy, listen or die.